三重对话：“中西合璧”交响乐教学研究

摘    要：“中西合璧”交响乐作品，体现民族题材和音乐素材，综合运用中西方作曲技法，具有独特的音色、节奏、复调等音乐元素，在音乐教学中具有重要地位。教师可引导学生与音色、节奏、复调及作曲技法展开对话，并运用听辨、想象、表演等对话方式，构建审美想象，激发审美情感，形成审美理解，增强民族自豪感。具体教学中，教师可拨响蕴含于音乐中的文化泛音，通过绘制声音图景、触发敏锐听觉，融入肢体动作、探寻韵律意义，厘清声部脉络、开启交响思维等方式，引导学生分别对话“音色”“节奏”“复调”，探寻音乐意蕴和精神寓意，实现真正意义上的深度学习和审美理解。

关键词：“中西合璧”交响乐；对话“音色”；对话“节奏”；对话“复调”；初中音乐教学

在初中音乐教学中，经典交响乐作品一直是其中的重要内容。但在具体的课堂实践中，存在看似“面面俱到”实则“走马观花”的课堂现象。究其原因在于，教师没有对“案头工作”仔细考究和深入挖掘，没有从一个引导者的角度，让学生真正掌握此类作品欣赏的学习策略。因此，笔者尝试以“中西合璧”交响乐作品为教学内容，通过“三重对话”的课堂学习策略，让学生与音乐进行深度对话。“三重对话”课堂体系如图1所示。这里所说的“中西合璧”交响乐作品，主要是指20世纪以来，由中国作曲家创作的，采用本民族的题材和音乐素材，综合运用中西方作曲技法，用西洋管弦乐器演奏的经典作品。“三重对话”指学生通过与“中西合璧”交响乐作品中具有特色的音色、节奏、复调等音乐元素及作曲技法的对话，同时运用听辨、想象、表演等对话方式，达成对此类作品的深度学习。

一、对话“音色”：绘制声音图景，触发敏锐听觉

质料、结构形制及发声方法的不同，可能造成乐器泛音成分的差异，进而形成千变万化的音色特征［1］。在交响乐中，作曲家更是将音色作为一个重要的“调色盘”，使其作品更加丰富、灵动。

（一）“单一型”音色：对比聆听，聚焦主题

在交响乐作品中，给人留下深刻印象的往往是这部作品的主题旋律，音色更是赋予了它美的“翅膀”［2］。因此，通过聚焦具有“单一型”音色的主题旋律，借助对比的方式，能够让主题旋律及其音色在学生的心中留下深刻的印记。

【案例1】小提琴演绎的经典越剧旋律

在小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》（以下简称“《梁祝》”）中，用小提琴演奏的“爱情”主题可说是最动人心弦的旋律。其中，学生对小提琴的音色并不陌生，但如何让学生去探寻小提琴的音色赋予了这段旋律怎样的音响效果和音乐情感，则需要教师进行适时、有效的引导。

1.聆听体验，形成音色感觉

为了让学生获得对小提琴的音色感知，笔者让学生全身心地投入对小提琴协奏曲《梁祝》的体验中，进而写下自己对小提琴音色的直接感受。由此，学生心中就会自然而然地留下小提琴独有的音色印记。

2.模仿演唱，探寻音乐形象

小提琴协奏曲《梁祝》中带有越剧元素主旋律，笔者引导学生通过一边用“La”哼唱主旋律，感受旋律舞动的线条，一边模仿小提琴的演奏姿势，再加上一些身体的自然律动，使其在全身心地体验音乐的过程中，寻找音乐形象。

3.横向对比，揭示音色特质

通过多种乐器演奏，以及人声演唱同一主题的对比聆听，学生主动参与到聆听体验中。在此过程中，他们不断丰富属于自己的音色库，音乐审美意识也在无形中得到了强化。

（二）“对比型”音色：合作演绎，联想形象

在交响乐作品中，使用“对比型”音色，塑造具有戏剧性的形象，也是作曲家常用的方法。在与这一类音色对话时，教师可以引导学生通过塑造音乐形象的方式来深刻领悟作曲家的创作意图。

【案例2】音色角色我来扮，男生女生“对对唱”

在管弦乐曲《太阳出来喜洋洋》中，主题旋律及其变奏一共出现八次，整首作品以猛烈的快板在1分55秒的时间里迅猛利落地结束。学生的反馈是：“太快了”“还没回过神来就结束了”……因此，选择有代表性的片段让学生反复聆听、强化感受，是使学生理解作曲家使用“对比型”音色的重要途径。

1.围绕重点，辨别乐段情绪

在管弦乐曲《太阳出来喜洋洋》中，变奏一由灵巧活泼的木管组演奏，变奏二由粗犷强悍的大号和大管等低音乐器演奏。笔者将这两个变奏作为重点，让学生反复聆听，仔细咀嚼，从听觉上感受音色对比带来的情绪反差。

2.借助人声，模仿乐器音色

为了让学生更进一步体验这两种“对比型”的音色，笔者尝试让女生用“Li”模仿木管组，男生用“Bang”模仿大管组，以相互对唱的形式来模拟不同乐器和乐器组的演奏，并允许他们自由选择其中自己喜欢的乐器进行演奏姿势的模仿。

3.多样体验，烙下音乐印记

通过参与对比聆听、合作演绎等实践活动，当学生再次聆听这两个变奏时，已能独具“亲切感”地用自己的肢体语言和哼唱加入到音乐表演中。

（三）“复合型”音色：整合要素，综合体验

在交响乐的创作中，作曲家往往会使用丰富的配器手法，用音色的画笔将各种音色巧妙地融合在一起，制造出具有立体音响效果的“复合型”音色。但是，当学生直面多声部复杂的和声和旋律交织在一起的作品时，往往会陷入混合音色的“混沌”和“泥潭”中，捕捉不到每个声部的具体音色。

【案例3】拨开立体音响的“迷雾”

在管弦乐曲《槐花几时开》中，当主旋律第三次出现时，由弦乐组演奏旋律声部，木管组和圆号演奏和声声部，低音提琴演奏低音声部，使得音响顿时变得非常开阔（如图2所示）。但让学生听辨和理解该音乐片段有一定难度。

1.聚焦主题，互文对比音色

在案例3中，笔者从演奏主旋律的弦乐器入手，让学生感受整个弦乐组立体的音响效果，并与前两个主题使用的音色进行比较，明确音乐的力度明显增强。

2.专注和声，听辨乐器组别

在聆听主题旋律之后，笔者让学生专注聆听和声声部，体会作为和声声部的木管组和圆号的音色特点。如此可在听辨音色的同时，从纵向上加强学生对和声的感知。

3.整体聆听，提升审美理解

审美理解力是一个由心理成熟和艺术修养而逐渐积淀的转化过程［3］。因此，在交响乐的欣赏过程中，教师要有意识地引导学生去发现感知音乐的方法，形成自主学习，从而主动构建整合式的“欣赏图景”。

二、对话“节奏”：融入肢体动作，探寻韵律意义

节奏是音乐的骨架，与人的生命脉动有着密切关联。因此，通过对节奏的感知和体验，学生能够感知交响乐作品中最直接、最真实、最本源的生命脉动。

（一）“民族性”节奏：模拟鼓乐，品读韵味

在具有中国元素的交响乐作品中，作曲家会将民族元素中最典型的“民族语言”提炼出来，赋予交响性的升华。其中，具有民族性的典型节奏就是最具标识性的“民族语言”。

【案例4】深入民俗曲调的脉动

在管弦乐作品《瑶族舞曲》中，作曲家运用了瑶族长鼓舞的素材进行创作。其中，作曲家通过巧妙的配器手法，唯美地展示了瑶族长鼓舞的典型节奏。因此，只有设计体验性强的音乐实践活动，才能让学生真正感受到通过这一节奏展现出来的民族脉动。

1.完整聆听，寻找典型节奏

笔者让学生完整聆听第一主题，重点关注低音声部，寻找重复出现的典型节奏，自主设计自己的肢体动作，并和着音乐旋律打出强弱节拍。

2.分组合作，营造乐队氛围

笔者将学生分成两组，一组演唱主旋律，另一组拍打重复的典型节奏。随后，笔者让学生闭眼聆听《瑶族舞曲》第9～16小节（如图3所示），通过听觉感受低音提琴和大提琴声部作为低声部伴奏乐器，对整个乐队起到的坚实稳定的底层支撑作用。

3.师生磨合，积累实践经验

学生通过合作表演，经历了将复杂的管弦乐总谱从分解走向整合的过程。在这个学习过程中，学生逐渐绘制出了属于自己的“交响声景”。

（二）“形象性”节奏：联系题材，塑造角色

小提琴协奏曲《梁祝》以民间传说为题材，同时吸取了越剧中的曲调元素，大胆地探索了交响乐的民族化和本土化。其中，“爱情”“封建势力”等经典的音乐主题与题材内容紧密相连的旋律片段，给人留下了深刻的印象。

【案例5】音乐笔触下的“封建势力”形象

在小提琴协奏曲《梁祝》的展开部中，作曲家用强势的节奏型，气势磅礴的铜管乐器，低沉浑厚的大提琴等低音乐器，用很强的力度刻画了一个残暴的“封建势力”形象。如何让学生切实体会这种“压倒性”的震撼形象，引起了笔者的思考。

1.模唱音色，增强音乐感受

在这段形象化的音乐中，正拍起强有力的节奏生动地塑造了凶恶的“封建势力”形象。笔者引导学生通过用“Bang”模唱，用很强的力度来表现《梁祝》展开部中“封建势力”形象音乐片段（如图4所示），从而增强音乐感受。

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图4   《梁祝》展开部中“封建势力”形象音乐片段

2.加入动作，深化角色形象

在哼唱的同时，笔者让学生设计动作塑造形象。在交流之后，学生选择出比较合适的动作，加上旋律，用很强的力度诠释了这一表现“封建势力”形象的旋律主题。

3.逐层实践，建立审美感知

音乐审美感知是个体情绪体验与音乐音响表现力形成的同构感应［4］。教师应该像搭台阶那样逐层地加入对节奏、音色和旋律的模仿，最后和着作品音响一同展现，引导学生自然生成有层次的音乐审美感知。

（三）“渲染性”节奏：创意表演，诠释配器

在交响乐中，打击乐器常常起到重要的造型意义作用。其中，最具色彩性的定音鼓，通常是用来彰显一首乐曲的节奏构造，并且带有渲染性效果。

【案例6】作曲技法我来“探”

管弦乐曲《太阳出来喜洋洋》中的连接段是一个非常有教学价值的音乐片段（如图5所示）。短短10小节中，出现了有别于“原汁原味”民歌旋律的新的音乐素材，并且在每次乐汇结束时加入强有力的、重音错位的前十六的节奏型。如何让学生在音乐实践中自己去摸索其中丰富的创作手法，值得教师思考。

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图5   《太阳出来喜洋洋》中的连接段

对这一案例，笔者进行了重点探讨，具体教学过程如图6所示。

1.对比演唱，找寻相似素材

探索的过程也是学习和积累聆听经验的过程。通过对比演唱，学生能够发现根据民歌第一句旋律素材改编的新乐汇。

2.模仿节奏，感受重音错位

在这个音乐片段中，重音错位的前十六节奏用强有力的乐队全奏的方式表现。通过模仿这一节奏，学生能够更深刻地去感受重音错位给音乐作品带来的动力感。

3.全员合作，探究配器妙处

对表现性强的音乐乐段，鼓励学生通过投入音乐表演来感知是行之有效的办法。针对案例6中的音乐片段，笔者尝试让一个小组的学生演唱弦乐组演奏的旋律声部，全体学生参与打出重音错位的节奏型（两者的对比谱如图7所示）。

三、对话“复调”：厘清声部脉络，开启交响思维

复调音乐有着丰富的表现力和多样化的创作技法，在我国当代交响乐作品中，作曲家经常会在某一音乐片段中使用复调手法来为作品“增光添彩”。