到达一个与我们的世界不同的世界

在我的摄影创作中，我一直依赖小型相机，以街拍的方式记录我所遇见的世界。我偏爱随手快拍，捕捉那些转瞬即逝、未经修饰的城市景观与人文细节。这种创作方式让我在游走于城市的大街小巷时，能够以最自然的状态观察、发现，并按下快门。摄影对我而言，是一种生活方式，更是一种内在直觉的外化。

从2005年开始我心里有了一个模糊的概念，就是在路上拍摄。那时，我获得了去法国尼斯美术学院交换学习的机会，在那半年的时间里，我的摄影创作灵感开始萌芽。最初，我并不清楚街拍是一种摄影类型，只是单纯地喜欢在街头记录日常生活的瞬间。法国老师石芦恒鼓励我自由拍摄。这种自由的创作氛围让我第一次体验到了创作的快感。我使用佳能G5小型数码相机和我的第一台胶片相机尼康F80，带着一个伟峰三脚架，开始了我的街头的摄影探索。那是一种充满偶然性的创作方式，随时准备发现有趣的瞬间，非常随机，非常具有“邂逅性”。这样的过程让我深刻地体会到观察世界的乐趣，也让我对摄影产生了更深的依赖。

从法国回来后我完成了一个小型展览，在筛选展出作品时，喻晓风老师告诉我，不要选择那些看起来像明信片一样的照片，而要选择具有个人特质的作品。所以，尽管我那次展览的名字叫《漫步法国》，但展出的照片根本看不出具体的拍摄地点。或者是，我意识到了，这张照片具体是在哪里拍摄的，对于我来说，其实一点都不重要。再后来，我看到一个斯蒂芬·肖尔的访谈。江融说肖尔让他选展出作品时，他选了一张河边有白马的、看起来很美的照片，但是肖尔说不选这张。他不要直观上看起来美的，而是更关注那些看似平凡但富有深意的画面。

在很长一段时间里，我对胶片摄影有着特别的情感。胶片的质感、色彩的独特性以及冲洗的过程，都让我对摄影产生了更深的敬畏与耐心。胶片相机带来的不可控性让我更加注重瞬间的捕捉，因为每一次按下快门都意味着对有限的胶片资源的消耗，这种约束让我在拍摄时更加专注，也更加珍惜每一次拍摄的机会。

到了研究生阶段，我开始深入思考环境对摄影创作的影响。我曾看过一个动画导演的访谈，她表示创作时必须远离家人，以避免潜在的影响。我对此深有共鸣，发现自己在独处时，更能遵循内心，选择真正感兴趣的主题和对象进行拍摄。这种创作的自由状态，使我更加坚定地探索街头摄影的可能性。

我感兴趣的主题涵盖广泛，包括身边的朋友、街道、生活的环境、人与人之间的关系，甚至还有街头的动物和植物等。我喜欢随时捕捉那些瞬间，这种随手拍摄的习惯，让我成为了一名敏锐的观察者。街头摄影让我深刻体会到，平凡生活中蕴含着无尽的美与意义。

照片中蕴含的想象力也是我想追寻的。如果一张照片仅仅是我们所看到的那样，将毫无乐趣。但是照片一旦能给人联想，就不再仅是一张印着图像的纸片，它将和观者的感觉连通，或者将产生新的意义。就是这样的可能性吸引我不断地拍摄。

随着我拍摄的照片越来越多，我更加明确了自己的创作方向，因为我确信，只有街拍会让我产生强烈的冲动。街拍不仅是一种记录手段，更是一种自我探索的方式。在生活中，我是一个非常平凡、平静的人，但当我拿起相机对准路上的一切事物的时候，我觉得我有了一个新的身份，我就像是一个导演，一个讲故事的人，或者一个造梦师。我拍摄的是真实的人物和场景，但是那些人物和场景又由于我的拍摄而有了那么些不同。通过镜头讲述故事，赋予普通场景以新的意义，这种创作的边界感，正如齐白石老先生所言的“似与不似之间”，让我不断地在现实与想象之间探索，使我着迷。

在摄影实践中，我始终依靠直觉进行创作。我相信，直觉能够捕捉最真实的情感和氛围，而这种直觉正是长期观察与经验积累的结果。正如法国哲学家柏格森所言：“直觉是思想最深刻的形式，是与现实直接接触的能力。”直觉是一种感性的东西，对于创作是最难能可贵的，它没有矫揉造作，追求最真实的感受。我深信这一理念，认为直觉的力量远胜于刻意的构图与修饰。艺术评论家苏珊·桑塔格在《论摄影》中也提到，摄影是一种独特的观察方式，而直觉恰恰是这种观察的灵魂。

在我的摄影创作道路上，许多摄影大师对我产生了深远的影响，如须田一政、森山大道、罗伯特·弗兰克和斯蒂芬·肖尔。

须田一政的“到达一个与我们的世界不同的世界”的可能性的照片深深地打动了我。他善于在普通的街头场景中捕捉到一种超现实的氛围，使得观者在观看他的作品时，总能感受到一种异样的熟悉感。他的作品往往带着一种朦胧而神秘的气质，捕捉着日常生活中那些不经意的瞬间，却让人感受到一种别样的氛围。他的摄影风格是对现实的再现与重塑，呈现出一种超越现实的诗意，这种“陌生化”的手法让我深受启发。他的作品让我意识到，街头摄影不仅仅是记录现实，它还可以营造一个充满诗意和神秘的世界。

森山大道的摄影作品往往充满了强烈的情感冲击力，让我感到震撼，使我意识到摄影可以是一种直觉的、瞬间的表达，而不需要过度的理性分析。森山大道擅长捕捉城市中那些稍纵即逝的瞬间，并赋予它们独特的视觉力量。他的“Are-Bure-Boke”（即粗糙、模糊、不清晰）的风格，让我意识到，不完美同样具有美学价值。他大胆的构图和粗粒子的影像风格，激励我在摄影中勇敢地打破传统框架。

罗伯特·弗兰克的《美国人》对我而言是一本充满启发的作品，他用独特的视角记录了美国社会的真实面貌，展现出底层人民的生活、社会的分裂以及对“美国梦”的质疑。他的作品中充满了一种漂泊感和疏离感，打破了传统纪实摄影的构图和叙事方式，强调个人情绪和瞬间的捕捉。这让我意识到，摄影不仅仅是记录，更是表达自我态度的一种方式。

斯蒂芬·肖尔的色彩让我感受到彩色摄影的神秘与可能性，他的作品看似平凡，却蕴含着对社会的深刻洞察。肖尔的代表作《美国表象》（《American Surfaces》）是快照美学的代表作，亦对我影响深远。2014年我曾办过一个个展，展览的名字叫《表皮》，我想翻译成英文也用“Surfaces”。当时我想的是，每一张照片拍摄到的都是世界的一个碎片，是真实世界的一个瞬间。但是这些真的是真实的世界吗，还是只是世界最表面的样子？“表皮”这个词，代表着我对摄影的理解和思考：摄影记录的是表象，但其背后可能蕴藏着更深层次的意义。

近年来，我开始尝试用数码相机进行创作。我仍然选择使用小的数码相机进行快照式的摄影。数码相机的便捷性和即时性让我有了更多的可能性。这种变化让我在创作过程中更加自由，也让我能够更精准地实现自己想要的效果。

尽管摄影技术在不断进步，但我认为，摄影的力量来自于真实的瞬间，而非过度的后期修饰。我很少对照片进行后期处理，仅对明暗做适当调整，以保留最原始的情感和氛围。我认为，过度的后期修改可能会削弱照片本身的真实性和情感张力。真正打动人的影像，往往源于瞬间的真实力量，而不是后期的雕琢。摄影的魅力在于它记录的真实性和偶然性，捕捉到的情绪和光影往往无法被复制。

经过多年的街头拍摄实践，我越来越感受到摄影不仅是一种记录的手段，更是一种探索自我、构建身份的方式。我希望通过不断的创作，逐步建立属于自己的影像语言，让我的照片在茫茫影像洪流中，始终保有独特的辨识度。

（廖歆雯：四川外国语大学新闻传播学院）