Q&A对话 颜为昕馆长

当美术馆遇见

“镜子宇宙：叶锦添个展”​

P：此次展览于深圳市当代艺术与城市规划馆而言有何特别意义？​​

颜为昕：这是两馆重要的跨界实践，标志着我们从单一艺术史视角，向更广义的东方美学与国际视野拓展。叶锦添以电影美学为切入点，通过东方美学语言重构艺术表达，不仅是对中国传统文化价值的再发现，更是国际社会对中国当代艺术认可的印证呈现。

作为深圳新兴场馆，两馆始终以“创新性”为核心。这场展览不仅是两馆首次尝试大型电影美学主题，更通过科技与艺术的融合，彰显深圳作为创新之都的包容性与前瞻性。我们期待公众看到：美术馆不仅是艺术生态的载体，更是多元文化对话的实验场。

P：您曾提出“美术馆空间应与展览对话”，此次展览如何实现这种对话？

颜为昕：两馆的“少柱化”设计：9万平方米的空间仅依靠极少数核心支柱支撑——旨在为艺术与观众留出最大自由度。展览中，叶锦添老师选择以建筑核心支柱为装置Lili的依托，形成“稳定与不稳定”的隐喻——既呼应建筑结构，又暗含对AI技术颠覆性的哲思。

这件作品是叶老师基于此前展览的反思与策展理念的延伸。通过镜面折射、AI投影等手法，观众得以在虚实交错中重新审视人与技术的关系。这种“建筑-艺术-科技”三位一体的对话，正是两馆追求的创新方向。

P：展览中哪件作品令您动容？​​

颜为昕：有两件作品让我驻足良久，其一是影像与服装装置：叶锦添老师不同时期的舞台与电影服饰，与虚幻影像交织，服装既是艺术家自我表达的符号，亦搭建起现实与幻境的桥梁。影像的流动感与服装的静态陈列形成叙事张力，宛若“会呼吸的艺术品”。其二是旋转雕塑与追光装置：这件以舞台追光为灵感的作品，使雕塑旋转时投射出动态光影，观众立于展台，光束聚焦又失焦，既似被凝视的“舞台主角”，又陷入对存在本质的叩问。这种沉浸式体验打破观展被动性，让艺术与观众产生即时对话。

P：两馆如何通过公共性设计吸引市民参与？​​

颜为昕：我们坚持用平实语言传递艺术价值，其一，是去学术化表达——展览文本摒弃晦涩术语，以通俗语言降低认知门槛；其二，弱化物理界限——尝试取消传统一米线，鼓励观众拍照传播，借社交媒体形成“二次传播”的涟漪效应；其三，延伸教育功能——未来拟推出服装DIY等公众互动工作坊，将审美教育融入生活场景，消弭美术馆与日常生活的壁垒。

P：深圳市当代艺术与城市规划馆如何规划展览的长线布局？​​

颜为昕：作为一个相对年轻的场馆，我们以“学术主线+多元探索”为策略：学术层面聚焦“艺术与科技”“公共艺术”两大方向，每年策划3～5个大型展览，引入全球策展资源构建对话平台。例如叶锦添的展览既是对中国电影美学的提炼，亦暗含对深圳城市精神的追问。同时依托数据驱动决策：通过观众画像分析（如年龄、停留时长）调整展览叙事方式。年轻群体偏爱互动技术，我们便在此次叶锦添个展中强化AI与投影的沉浸体验。长远目标是以深圳为窗口，展现中国当代艺术的国际话语权。我们期待持续回答“四十年后的中国艺术如何与世界对话”这一命题。

P：您如何看待科技对美术馆创新的赋能？​​

颜为昕：科技不仅是工具，更是艺术表达的“共谋者”。以沉浸式体验来说：数字化管理方面，从藏品修复到布展流程，我们全面引入AI与大数据。假如通过算法分析观众行为，优化空间动线。我们与叶锦添老师探讨“AI的创造力边界”时亦在思辨：正如人类创造AI时需不断“喂养”知识，艺术创作亦需在技术浪潮中保持主体性。这种双向赋能，正是两馆对“科技+艺术”的深层实践。

P：深圳市当代艺术与城市规划馆如何推动粤港澳大湾区文化融合？​​

颜为昕：在地性方面，我们已经做过展览中，有融合潮汕木雕、广府剪纸等岭南元素，如潘鲁生个展将传统工艺与当代装置并置，展现“新岭南美学”。在去地域化策展中，我们拒绝“广深港澳”线性排序，转而以主题串联多元文化。例如粤港澳大湾区视觉双年展打破地域藩篱，凸显文化共性。我们还邀请参展艺术家为深圳创作专属作品（如薛松的《深圳地标》），既记录城市变迁，亦为大湾区文化注入新基因，更为城市留存记忆。​

P：您对深圳两馆的未来有哪些期待？​​

颜为昕：作为伴随深圳成长的“老馆长”，我希望两馆成为城市的文化锚点：通过收藏与展览，为深圳留存艺术家对这座城市的思考；作为公众审美启蒙地：以轻盈叙事打破艺术门槛；更作为创新实验田，持续探索艺术与科技、传统与未来的边界，让深圳的“敢为人先”精神在美术馆落地生根。

在艺术与公众之间，

架一座无需翻译的桥

童年步行三公里去看展的男孩，现在想为城市建一座艺术基因库。依靠支柱的Lili，她身后的斜柱——以坚实根基托举无限可能。当观众在镜面宇宙中照见自我倒影，颜为昕看见的是更辽阔的图景：每个人都是时代的创作者，而美术馆永远为未知敞开大门。

展览首日，颜为昕在监控屏前凝视川流不息的人群。2021年引入的大数据分析系统显示，约三分之一观众购票入场——这组数字点燃了他的思考：“美术馆不能仅为圈层存在。”这些年两馆启用20多位跨界策展人的实践，正是打破学术壁垒的注脚。大数据揭示的短板催生变革：在展览出口，团队正在酝酿推出AR头盔项目，带观众漫游数字宇宙。“科技非炫技。当人类首次看见马蹄腾空的真相，艺术便被彻底重构。今天AI对艺术的冲击，不亚于当年照相技术的诞生。”

谈及粤港澳大湾区，颜为昕眼中泛起炽热。“生于斯长于斯的我，亲历了深圳从边陲小镇到创新之都的蜕变。”他历数城市文化包容性：“这里没有强势的本土文化，却如海绵般吸收不同的文化，如潮汕木雕、广府剪纸、客家山歌。潘鲁生的展览的岭南文化，在当代语境中毫无违和。”

这种包容性正注入两馆的收藏血脉。颜为昕向每位参展艺术家发出特殊邀约：“请为深圳创作一件作品，不是复制风格，而是传递对城市的思考。”苏新平、薛松等艺术家相继响应，后者更以燃烧拼贴手法重现深圳天际线。

“当美术馆不再害怕观众看不懂时，它才真正属于城市。”颜为昕的这句话，或许正是两馆存在的终极意义——在艺术与公众之间，架一座无需翻译的桥。