戏曲唱腔在古诗词艺术歌曲声乐教学中的运用与实践

［摘 要］ 戏曲唱腔是中华优秀传统文化的重要组成部分，其唱法技巧对中国古诗词艺术歌曲的声乐教学具有重要的借鉴意义。首先阐述了运用戏曲唱腔进行古诗词艺术歌曲声乐教学的可行性，分析了存在的三个主要问题，结合当下声乐教学客观情况，提出了六个实践路径，包括选择代表性唱腔、注重唱腔特点、加强表演训练、构建实践平台、创新唱腔表达、多资源联动教学等，以期为戏曲唱腔与古诗词艺术歌曲声乐教学的有效融合、增强学生的艺术表现力与审美能力、促进中华优秀传统文化的传承创新提供借鉴。

［关键词］ 戏曲唱腔；古诗词艺术歌曲；声乐教学；高校

［作者简介］ 陈梓阳（1981—），女，广东潮州人，硕士，广州新华学院音乐系讲师，主要从事民族声乐教学与演唱、音乐教育研究。

学科融合正在推动艺术教育的蓬勃发展，各艺术学科之间的相互借鉴、有机融合产生了令人意想不到的良好教学效果。2023年，教育部印发《关于全面实施学校美育浸润行动的通知》，提出要构建综合性艺术课程体系，进一步促进学科的融合发展，培养学生的全面艺术素养。作为当前教育发展的重要导向，融合民族传统与实践体验、弘扬中华优秀传统文化，是学科融合的应有之义。基于此，将集言情画于一体的戏曲唱腔融入古诗词艺术歌曲声乐表演，实现文学与音乐的深度融合，具有重要的实践意义。

一、戏曲唱腔应用于古诗词艺术歌曲声乐教学的可行性

（一）丰富声乐演唱韵味

戏曲唱腔应用于古诗词艺术歌曲声乐教学，可以丰富声乐演唱的韵味。戏曲唱腔讲究抑扬顿挫、疾徐高低，通过声音、节奏的变化渲染词意情感，可带给听众余音绕梁、三日不绝的难忘体验。如京剧中的程派唱腔，唱段末尾常有一高亢而激昂的长音，极大地增加了歌曲的感染力，令人意犹未尽。戏曲唱腔的另一显著特点是灵活多变，可充分体现古诗词意境的流转，将其运用在教学中，可以选择与古诗词意境契合的戏曲唱腔，让学生在学唱腔的基础上，融个人声音特点与唱腔元素于一体，使声乐演唱更富于变化和层次，从而实现创新性演绎。

（二）提升学生演唱表现力

戏曲表演强调“唱念做打”，追求通过歌唱、念白、表演技巧和武打动作的配合，达到艺术的完美演绎。其中，演唱方法与身段技巧最适合融入古诗词艺术歌曲教学：拖腔、甩腔、颤音、平腔等成熟的戏曲唱腔，借助灵活多元的发声方法丰富艺术表达；舞蹈化的形体动作和身段表情，从多个角度突出人物的性格特点、传递不同层次的情感。以苏轼的古诗词艺术歌曲为例，平腔、颤音等能更好地演绎出苏轼大度深沉的性格，时而忧伤低回，时而激昂慷慨，配以急速策马的身段，气势磅礴，令人神往。这种综合训练，可全面提高学生的表演内涵与感染力，使声乐演唱真正灵动生辉，有利于激发学生的演唱兴趣，提高教学质量。

（三）培养音乐审美素养和文化自信

中国戏曲作为中华民族的艺术瑰宝，蕴含着独特且深邃的音律美学。学生在戏曲唱腔的学习中，不仅能够领略到艺术的无尽魅力、拓宽音乐审美的边界，更能在无形中接受美感的熏陶，使心灵得到滋养与升华。例如，徽调唱法中的细微颤音，那如微风轻拂、如丝如缕的旋律，让人仿佛置身于古韵悠扬的世界，感受到那份委婉动人的情感表达。结合当今音乐学科教学中西兼顾的现状，戏曲与声乐教学的融合可以促进学生更加全面地认识中西音乐的不同内涵：中国音乐注重人声的自然和谐，追求内在情感的深沉表达；而西方音乐则以其夸张叠加的对比手法，展现出外在感官的强烈冲击。这样的学习体验，不仅有助于学生认识中华音乐的独特魅力，更能够激发他们的民族文化自信，培养创新精神。

二、当前教学实践中存在的问题

（一）未能深入了解戏曲，选材使用失当

在戏曲唱腔与古诗词艺术歌曲声乐教学的融合过程中，我们不难发现一个核心问题，即未能深入了解和掌握戏曲的精髓。这种不足主要体现在对戏曲风格、曲调、唱腔特点及文化内涵等方面缺乏足够的认知，由于这种认知的缺失，选材时往往出现失误，选择了与古诗词情感基调不符或表现风格不恰当的戏曲唱腔，这种失当的融合不仅会影响古诗词艺术歌曲表达的准确性和情感共鸣，制约声乐表演艺术效果的达成。更重要的是，客观上浪费了宝贵的教学资源，不恰当运用不仅无法达到应有的教学效果，反而可能误导学生，使他们对于戏曲和古诗词艺术歌曲的理解产生偏差，起到适得其反的作用。

（二）过分追求音色技巧，忽略情感表现

在古诗词艺术歌曲的声乐教学中，技巧与情感无疑是最为关键的两大要素。然而，令人遗憾的是，部分学习者在追求声乐技艺的道路上，却常常过分沉迷于音色技巧的打磨，而忽略了情感表现的精髓。他们热衷于声音本身的技巧控制，诸如音色的明亮度、响度、高音的完美呈现等细节，却往往忽视了技巧与情感之间的微妙平衡。这种失衡使得他们的演唱往往技巧有余而情感不足，虽然能够展现出高超的声乐技巧，但无法真正打动人心。我们必须意识到，情感的准确表达和传递才是声乐表演的核心所在，技巧只是情感的载体，而真正的艺术魅力在于情感的传递与共鸣。因此，学习者须要在掌握声乐技巧的基础上，充分体会古诗词的内在情感，通过丰富的情感表达来打动聆听者、赢得观众的共鸣，避免陷入空洞炫技而失去表现力的误区。

（三）简单机械套用唱腔，缺乏主动创新

在戏曲唱腔与古诗词艺术歌曲融合的教学实践中，一个不容忽视的问题是学习者往往倾向于简单机械地套用唱腔，而缺乏主动创新的意识和能力。有些学习者在学习某种唱腔后，没有对古诗词内容加以甄别和转换，直接套用这种模式演唱，没有考虑语言、意境的匹配性。这种机械式的套用，往往导致演唱者在运用唱腔时显得生硬、不自然，无法真正传达出古诗词的内在情感和意境。此外，这种缺乏主动创新的教学方式限制了学生的艺术表现力。学生在没有深入理解和体验古诗词情感的基础上，仅仅模仿唱腔的外部形式，很难实现艺术表现力的提升，进而阻碍了学生对戏曲唱腔的深入了解和掌握，无法真正体会到学科融合的作用和意义。

三、戏曲唱腔运用于古诗词艺术歌曲声乐教学的实施路径

（一）深入了解戏曲，选择正确唱腔

选择最具代表性的戏曲唱腔是推动其成功运用于古诗词艺术歌曲声乐教学的关键一步，富有地方特色的戏曲唱腔不仅蕴含着丰富的语音词汇，更是承载了深厚的区域文化。为了将戏曲元素有效地融入古诗词艺术歌曲的演唱中，我们必须深入了解各种唱腔的特点和风格。具体来说，要在系统学习和客观比较各地戏曲流派的基础上，选择最能代表该地方戏曲特色的一两种唱腔。例如，京剧的标志性唱腔——西皮腔调，以其高亢激昂的旋律和丰富的节奏变化展现了京剧的独特魅力，而昆曲唱腔则以其悠扬婉转的音调、儒雅细腻的演唱技巧和丰富的情感表达，表现了昆剧的艺术特色。这些唱腔都是各自戏曲流派的主流调式，集中体现了本地戏曲的整体审美风格，且技巧方法成熟规范，非常适合作为融入古诗词艺术歌曲声乐教学的选择。在选择好唱腔后，还须要进一步组织专题研讨，深入分析其节奏韵律、音高及发声方法等音乐语言特征。以西皮腔调为例，其节奏版式多样、韵律独特，通过对其深入研究，我们可以更好地理解其文化内涵和艺术魅力。此外，应注意选择准确的唱腔匹配声乐作品演唱，如西皮原板唱腔，常用于抒情、叙事和景色描述。

（二）分析唱腔特点，掌握运用方法

分析唱腔的语音特点并掌握其运用方法是声乐教学中的关键环节。在这一过程中，教师应注重系统地分析典型唱腔的语音结构、变化规律等，引导学生深入理解语音运作机制，并根据古诗词的意境进行音乐语言的重构。教师可以与语音专家合作对唱腔中语音的发音、音调、声韵等方面进行细致研究，并从语音学的角度探讨其结构和变化规律。通过专业的分析与解读，能够在教学过程中让学生更全面地理解唱腔的语音特点和发展过程、运用方法和规律，更好地理解声音的产生、调控以及对情感表达的影响，为声乐表达的再生产奠定基础，做到在准确把握古诗词情感内涵的基础上，更生动、顺畅地传达出古诗词的意境。以昆曲的橄榄腔为例，它并非装饰音，而是发声技巧，即发音由轻而响，再由响而收，形似橄榄，故俗称“橄榄腔”，是昆曲演唱独特韵味的典型代表［1］。歌曲《枫桥夜泊》中，“姑苏城外寒山寺”中的“寺”字运用了橄榄腔，从歌词“寒山”弱起，唱到“寺”的时候最强，然后慢慢减弱，气息和声音从齿间流出，最后归韵慢慢收声，营造出一种霜天寒夜的静谧感［2］。通过教学实践，学生能够深入体会戏曲唱腔的润腔技法，熟练掌握唱腔特点与古诗词意境融合的方法，更好地表达古诗词所蕴含的情感和意境，创造出更具有深度和感染力的声乐表演作品，这种既继承又超越的表演练习，可以进一步提高学生运用唱腔进行艺术塑造和情感传达的能力。

（三）加强表演训练，唱腔内化情感

将戏曲唱腔内化为古诗词情感表达的有效途径之一，便是加强学生的表演训练，这一训练过程不仅涉及声音的塑造，更涵盖情感的传递与表达。从单音练习到词组格式的演唱，学生须要反复模仿同一教师的口型、发声方法、肢体动作等，通过不断的实践，系统地巩固唱腔体系。通过重复体验唱腔，学生逐渐将其融入自我情感建构中，使之成为抒发古诗词意境的习惯性语音符号。在此基础上，教师应进一步引导学生从内心融入唱腔所蕴含的意境氛围，这意味着学生不仅要掌握唱腔的技巧，更要深入理解其背后的文化内涵和情感表达。通过加强表演训练，学生能够在演唱过程中更加自然地流露情感，使唱腔与古诗词的意境相得益彰，达到情感与艺术的完美融合。例如，在学生演唱李清照词曲《如梦令·常记溪亭日暮》时，教师指引学生身临其境地去联想其置身于藕花深处，不断地想象、感受，并用丰富的语音和身段渲染这些意象，直至将唱腔内化于心，成为情感流露的自然符号，表达出悠远凄婉的意境。

（四）构建实践平台，丰富拓展体验

构建实践平台是引导学生运用戏曲唱腔演绎古诗词艺术歌曲不可或缺的环节。学校可以定期举办戏曲与古诗词艺术歌曲音乐会等活动，为学生提供一个平台展示创新成果，并向社会传递古诗词与戏曲融合的魅力。音乐会是学生展示声乐、表演等多方面才能的良好机会，通过作品演绎可巩固他们所学到的知识与技能、传递出对古诗词的理解和再创作，同时从观众的反馈中获得更多的启发与成长，进一步激发学生的创作热情。社区演出是更加便利的实践平台，参与社区演出能够锻炼学生的勇气和舞台表现能力，学习如何更好地适应舞台表演的氛围与要求，带动更多人了解和走近古诗词与戏曲，在拓宽戏曲与声乐相结合的创新视野的同时，实现对中华优秀传统文化的弘扬与传承。

（五）发挥主观能动，创新唱腔表达

发挥学生的创造性是推动戏曲唱腔与古诗词声乐创新、开拓戏曲唱腔新境界的必由之路。教师通过设计开放性的演唱任务，组织学生根据古诗词的语境和意境，主动选择调整唱腔元素，进行新的声情表现，探讨开拓戏曲唱腔新境界的可能性。例如，学生可以在演唱屈原《九歌》时，运用更为丰富多变的语音手段，通过“咿呀”式的长吟短唱，描绘神话场景的空灵气氛。这种能动探索唱腔新语的过程，可以打破固有模板，激发学生的音乐想象，有助于形成个性鲜明的古诗戏曲演唱新模式。

此外，教师可以尝试运用科技手段，拓展戏曲唱腔的音乐表达技法，为学生的创新创造打开更大的空间。例如，在描绘乐府诗中山水田园意境时，利用人声合成技术，加入对大自然的鸟语虫鸣的模仿，丰富唱腔的音色效果，烘托出更细腻立体的意境氛围。再如，当学生演唱宽广浩荡的边塞意境时，使用电声设备中的混响、延音功能，可生成悠远空灵的音场效果，更契合古诗的意境需要。在科技手段赋能下创新尝试，不断扩展戏曲唱腔的音乐表现场景，更好地激发学生的想象力和创造力，使其在古典与现代的碰撞中迸发更丰富的灵感。

（六）聚集资源联动，强化协作机制

戏曲唱腔与古诗词声乐作品演唱的创新融合，离不开学校与社会各方的参与。古诗词声乐作品演唱的创新涉及语言学、文学、音乐学等多学科交叉，通过与本地高等艺术院校的校际联合，共同举办戏曲与古诗词艺术歌曲艺术论坛、开展样板公演等，可以打通学科壁垒、形成学术合力；加强与本地著名剧院的合作，借助其公演场地、乐器设备、行头道具等硬件资源，邀请资深演职人员定期到校开设体验课、专题讲座，为学生演示不同流派的唱腔，传授经验技巧。此外，聘请当代戏曲改革实践的领军人物担任学校戏曲与古诗词艺术歌曲融合创新实验的艺术顾问或“双师”导师，针对学生的创作项目提供专门指导，直接传递前沿的理念与经验，增加戏曲与古诗词艺术歌曲声乐表演融合的研究深度，推动传统与当代、东方与西方更富弹性的碰撞融合。